L’animation limitée utilise des techniques spéciales pour limiter l’effort nécessaire à la production de l’animation complète, de sorte que chaque image n’a pas à être dessinée individuellement.
Lorsqu’on produit entre 20 minutes et deux heures de film d’animation à 12-24 (ou même 36 !) images par seconde, on peut empiler jusqu’à des milliers, voire des millions de dessins individuels. Même avec une équipe d’animation complète dans une société de production à grande échelle, cela peut être presque impossible à réaliser avec une forte intensité de travail.
Les animateurs utiliseront donc des techniques d’animation limitées, qui consistent à réutiliser tout ou partie des images animées existantes tout en ne dessinant de nouvelles images que lorsque cela est nécessaire.
Vous le verrez souvent plus souvent illustré dans l’animation japonaise ; en fait, c’est l’une des raisons pour lesquelles les gens prétendent souvent que l’animation japonaise est inférieure à l’animation américaine, même si l’animation américaine utilise aussi fréquemment des techniques d’animation limitées. C’est juste un peu moins évident à ce sujet.
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Exemples d’animation limitée
L’un des exemples les plus simples d’animation limitée est la réutilisation des cycles de marche. Si votre personnage marche vers quelque chose et que vous avez créé un cycle de marche standard de 8 images, il n’est pas nécessaire de redessiner le cycle de marche pour chaque pas. Il suffit de rejouer le même cycle de marche encore et encore, en changeant la position du personnage ou le fond pour montrer le mouvement qui progresse sur l’écran.
Cela ne s’applique pas seulement aux personnes ; pensez aux roues d’une locomotive qui tournent ou aux roues d’une voiture qui tournent. Vous n’avez pas besoin d’animer cela encore et encore lorsque les spectateurs ne pourront pas dire que vous avez réutilisé le même cycle tant que le mouvement est fluide et cohérent.
Un autre exemple est lorsque les personnages parlent, mais ne déplacent aucune des autres parties visibles de leur corps. Au lieu de redessiner l’ensemble du cadre, les animateurs utiliseront un cel avec le corps de base, et un autre avec la bouche ou même tout le visage animé par-dessus de façon à ce qu’il se fonde parfaitement avec les cels superposés. Ils peuvent simplement modifier les mouvements de la bouche ou changer l’expression du visage ou même la tête entière. Cela peut compter pour des choses comme les bras qui se balancent sur des corps statiques, des pièces de machine, etc. Ce qui importe le plus, c’est qu’il s’intègre parfaitement.
Un autre exemple encore est celui des cadres d’attente où les personnages ne bougent pas du tout. Peut-être ont-ils fait une pause pour un rythme de réaction, peut-être écoutent-ils, peut-être sont-ils figés dans la terreur. Dans tous les cas, ils ne bougent pas pendant quelques secondes, il est donc inutile de les dessiner exactement dans la même position. Au lieu de cela, la même image est réutilisée et recadrée encore et encore pour la bonne durée à l’aide de la caméra de la tribune, lorsque l’animation est amenée à être filmée.
Images d’archives
Certaines séries animées utilisent des séquences animées d’archives qui sont réutilisées dans presque tous les épisodes, généralement pour un moment clé de la série. Parfois, les séquences sont également réutilisées en image miroir, ou avec divers changements de zoom et de panoramique pour n’utiliser qu’une partie de la séquence animée, mais avec suffisamment de variations pour la rendre unique.
Flash, en particulier, rend les techniques d’animation limitées extrêmement simples et courantes, en réutilisant souvent les formes de base des personnages et les séquences d’animation, même sans l’utilisation intensive de tweens pour remplacer l’animation image par image. D’autres programmes tels que Toon Boom Studio et DigiCel Flipbook améliorent également ce processus et facilitent le recyclage des séquences et de l’art des personnages.
